L’oeuvre de la quinzaine | Andrea Kowch

Pour l’oeuvre de la quinzaine, voici les peintures d’Andrea Kowch.

Nous avons traduit une partie du texte de présentation sur son site pour vous présenter son travail :

« Andrea Kowch est une peintre Américaine née à Detroit, dans le Michigan, en 1986. Elle a étudié au College for Creative Studies. Ses peintures et travaux sur papier sont chargés d’atmosphère et d’allégories. Ils sont peints de manière très précise, reflétant une riche influence allant de la Renaissance Nordique et de l’art Américain aux paysages ruraux et à l’architecture vernaculaire de son Michigan natif.

Les histoires et l’inspiration derrière ses peintures « naissent des émotions et des expériences de la vie, résultant en une imagerie allégorique et narrative qui illustre les parallèles entre l’expérience humaine et les mystères du monde naturel. Le paysage Américain esseulé et désolé cernant les personnages des peintures traduit une exploration du caractère sacré de la nature et une réflexion sur l’âme humaine, symbolisant toutes les choses puissantes, fragiles et éternelles. Des scénarii à la fois tangibles et oniriques transforment des idées personnelles en des métaphores universelles de la condition humaine, maintenant un sentiment de flou pour encourager le dialogue entre l’oeuvre et la personne qui la regarde. » »

L’oeuvre de la quinzaine | Dain Yoon / @designdain

Pour l’oeuvre de la quinzaine, nous vous présentons la peintre-illusionniste-maquilleuse Dain Yoon, connue sous l’alias de @designdain sur instagram. Nous avons traduit le texte de présentation sur son site, accompagné d’une sélection d’images :

 

Dain Yoon considère que son art de l’illusion reflète la façon dont les gens font l’expérience du monde.

« Les gens vivent dans des illusions », dit l’artiste de 24 ans originaire de Seoul, Corée du Sud. « Les gens perçoivent tout de leur propre manière subjective ».

Dain Yoon utilise le pseudo designdain sur Instagram, où elle montre ses belles peintures trompe l’oeil, peintes sur son corps ou sur son visage. Bien que son art ait l’air photoshoppé, il est en fait 100% authentique. Ses illusions parfaites d’yeux, de bouches et de visages provoquent chez beaucoup une longue contemplation, un sentiment de vertige ou encore une certaine frayeur.

Depuis l’enfance, Dain a un talent pour la peinture. Son talent lui a permis d’étudier dans les écoles d’art les plus prestigieuses de la Corée du Sud : le lycée d’art de Séoul Yewon et l’Université Nationale Coréenne des Arts, dont elle a chaque fois été diplômée première de sa promotion.

Cependant, une grande maîtrise de la peinture n’est ici que la moitié de l’équation magique.

Le sens aigu de l’observation et la fascination de Yoon pour la complexité des êtres humains est ce qui élève son art à un niveau supérieur : « Le véritable visage se révèle sous la main qui le cachait, révélant que la première impression que l’on a d’une personne ne dévoile pas tout ».

Avec « l’art de l’illusion », Yoon a exploré diverses manières d’exprimer de manière éloquente les multiples facettes d’une personne. Elle explore aussi les sensations qui émergent de son éducation au sein d’une famille d’artistes. Avec une mère artiste et un père qui travaille dans l’architecture, la famille a grandement influencé l’exploration artistique de son médium favori : la peinture.

Pour ce qui est de l’inspiration, Dain adopte un point de vue humble : « Tout, même dans la vie ordinaire, pourrait être source d’une grande inspiration… Du moment qu’on adopte une perspective unique. »

 

L’artiste de la quinzaine | Lynette Yiadom-Boakye

Lynette Yiadom-Boakye est une peintre anglaise. Nous avons traduit le texte sur le site de sa galerie pour vous présenter son oeuvre.

« Les peintures à l’huile de Lynette Yiadom-Boakye s’axent sur des personnages de fiction qui existent en dehors de moments où d’endroits spécifiques. Dans une interview de 2010 avec le New York Times Magazine, Yiadom-Boakye décrit ses compositions comme des « suggestions de personnes… Iels ne partagent pas nos problèmes et nos préoccupations ou nos angoisses. Iels sont ensemble, autre part. » Cette absence de détermination narrative laisse le travail ouvert aux projections de l’imagination du / de la regardeur.euse.

Ses peintures s’ancrent dans des considérations formelles traditionnelles telles que la ligne, la couleur et le format, et peuvent être une réflexion sur le médium lui-même, mais les sujets et la manière dont la peinture est utilisée est résolument contemporaine. Les peintures de Yiadom-Boakye sont habituellement faite en un jour pour mieux capturer le unique moment d’un flux de conscience.

Le fait que ses personnages soient majoritairement Noir.e.s attire souvent l’attention. Dans une récente interview avec Hans Ulrich Obrist dans Kaleidoscope, elle explique « La race est une chose que je peux complètement manipuler, ou réinventer, ou utiliser comme bon me semble. Et aussi, iels sont Noir.e.s parce que… je ne suis pas blanche. » Cependant Yiadom-Boakye maintient : « les gens sont tenté.e.s de politiser le fait que je peigne des personnages Noir.e.s, et la complexité de ce fait est une partie essentielle de mon travail. Mais mon point de départ est toujours le langage de la peinture elle-même et la manière dont celui-ci se rapporte au sujet abordé. »

Yiadom-Boakye est née en 1977 à Londres et y habite actuellement. Elle a étudié au Central Saint Martin Arts College, au Falmouth College of Arts et à la Royal Academy Schools. »

L’oeuvre de la quinzaine | les autoportraits de Mequitta Ahuja

Mequitta Ahuja est née en 1976 à Grand Rapids, dans le Michigan, d’un père Indien et d’une mère Afro-Américaine. Elle grandit dans une communauté majoritairement blanche. Cela l’a poussée à se questionner sur son identité, et l’autoportrait est la dominante de son oeuvre. Nous avons sélectionné un échantillon d’oeuvres et traduit le texte de son site internet (que nous vous invitons à visiter !), qui explique sa démarche.

« Je transforme l’autoportrait de l’artiste, en particulier l’autoportrait de la femme de couleur – longtemps définie par cette identité – en une réflexion sur la création d’image. Je fais cela en cataloguant visuellement les codes de la peinture et en leur donnant de nouvelles significations. Je simplifie la forme, et j’inclus les motifs traditionnels tels que les gestes des mains, les mouvements du tissu, les jeux de regard avec le/a regardeur/euse, le papier froissé présenté en trompe-l’oeil, l’architecture racontant une histoire, la perspective cavalière et la figure allégorique. Je mets l’accent à la fois sur l’aspect conceptuel et physique de la peinture en montrant mon modèle lisant, écrivant et s’occupant de ses toiles dans l’atelier. En créant des images dans l’image, je décris les nombreux aspects de la peinture – abstraction, texte, naturalisme, description schématique, planéité graphique et illusion. Je donne un nouveau sens aux idées et approches picturales qui ont jalonné l’Histoire de la peinture, notamment les hiéroglyphes Egyptiens, les fresques de Giotto, la figuration Hindoue et les premières peintures Américaines. Je positionne cette variété de styles artistiques au sein du contexte de la peinture figurative, et je remplace l’autoportrait habituel – l’artiste debout devant son chevalet – par un large portrait du travail de peinture. En travaillant stratégiquement avec les nombreuses formes et les divers passés de la peinture, je mêle mes préoccupations personnelles et picturales contemporaines à la discussion séculaire de la représentation. »

L’oeuvre de la quinzaine | Paula Rego, Untitled : The Abortion Pastels

 

Pour l’oeuvre de la quinzaine, nous avons choisi la série de pastels « Untitled : The Abortion Pastels » (Sans Titre : Pastels sur l’Avortement), de Paula Rego.

Paula Rego est une artiste portugaise née en 1935. Elle vit à Londres depuis 1958, où elle a une carrière prolifique.

Cette série de pastels a été produite entre juillet 1998 et février 1999, suite à un référendum sur la dépénalisation de l’IVG qui fut refusé par une très courte majorité. Dans une interview avec Ana Marques Gastaõ en 2002, l’artiste explique sa motivation : « [cette série] est née de mon indignation… Il est impensable que les femmes qui avortent soient considérées comme des criminelles. Cela me rappelle le passé… Je ne peux pas supporter l’idée de lier une notion de culpabilité à cet acte. Ce que chaque femme souffre d’avoir à faire est bien assez. Mais tout cela découle du passé totalitaire du Portugal, des femmes vêtues de tabliers, faisant des gâteaux comme de bonnes femmes au foyer. Dans le Portugal démocratique d’aujourd’hui il y a toujours une forme subtile d’oppression… La question de l’avortement fait partie de tout ce contexte violent. »

La force de ces pastels, c’est aussi la frontalité avec laquelle Paula Rego aborde le sujet, sans faux-semblants ni dramatisation ; ces personnes, qui semblent toutes venir de différentes couches de la société, sont sûres de leur choix.

Les peintures de Paula Rego sont exposées en ce moment au Musée de l’Orangerie à Paris, jusqu’au 14 janvier 2019.

L’oeuvre de la quinzaine | Njideka Akunyili Crosby

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“The Beautyful Ones” Series #4 2015

 

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I Still Face You 2015

 

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Efulefu: The Lost One 2011

 

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Thread 2012

 

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Dwell: Aso Ebi 2017

 

Njideka Akunyili Crosby est née au Nigeria. À l’âge de 16 ans, elle part étudier aux Etats-Unis.

Représentée par la galerie Victoria Miro à Londres, elle vit et travaille à Los Angeles. Nous avons traduit une partie du texte écrit par sa galerie qui explique son travail :

« Son identité culturelle mélange de forts liens avec son pays natal et son pays d’adoption, une identité hybride qui se reflète dans son travail.

Au premier coup d’oeil, Njideka Akunyili Crosby semble se concentrer sur le foyer, représentant des scènes quotidiennes et des fêtes. Plusieurs de ses images représentent des gens – famille ou ami-es – dans des scénarios dérivés d’expériences domestiques familières : manger, boire, regarder la télé. Iels rencontre rarement le regard du spectateur mais semblent entraîné-es dans  des moments d’intimité ou de réflexion qui sont souvent laissées ouverts à l’interprétation. Les ambiguïtés des histoires et des gestes sont soulignées par une seconde couche d’image, discernable lorsqu’on s’approche. Des photos-collages aux motifs vibrants sont créés à partir de la pop culture et de la politique Nigérienne, incluant des photos de pop-stars, de top modèles et de célébrités, ainsi que celles d’avocats dans des perruques blanches et de dictateurs militaires. Certaines de ces images proviennent des archives personnelles de l’artiste composées de ses photos, de magasines et de publicités, et d’autres sont prises sur internet. Ces éléments présentent une métaphore visuelle éloquente traduisant les couches de mémoire personne et d’histoire culturelle qui informent et renforcent l’expérience du présent.

[…]

Parlant de son travail, Akunyili Crosby dit : « Tout comme les habitant-es de pays anciennement colonisés sélectionnent et inventent des caractéristiques culturelles qui leur sont transmises par les colonisateurs dominants ou métropolitains, j’extrapole à partir de mon apprentissage de la peinture occidentale pour inventer un nouveau langage visuel qui représente mon expérience – que je ressens parfois paradoxalement comme à la fois fracturée et entière – de Nigérienne cosmopolite. » »

 

L’oeuvre de la quinzaine | Audrey Kawasaki

 

Audrey Kawasaki est une artiste Américano-Japonaise qui vit et travaille à Los Angeles.

Nous avons traduit le texte sur son site qui explique son travail :

« Le travail de Kawasaki contient des thèmes contrastés tels que l’innocence et l’érotisme, exprimant le captivant mystère de la sensualité féminine. Son imagerie tranchante est peinte avec précision sur des panneaux de bois, dont le grain naturel ajoute de la chaleur à son sujet énigmatique.
Les influences créatives de l’artiste incluent des traditions occidentales et orientales telles que l’Art Nouveau et les Manga Japonais. Elle peint des femmes voluptueuses, séduisantes et désinhibées d’une beauté délicate et provocante, au regard direct. Leurs gestes gracieux et leurs traits fantomatiques portent d’énigmatiques expressions de mélancolie et de nostalgie. »

 

Aloïse Corbaz

Aloïse Corbaz est une artiste Suisse autodidacte. Diagnostiquée schizophrène à l’âge de 32 ans, elle a commencé à peindre et dessiner lors de son internement dans un hôpital psychiatrique. Nous avons choisi d’écrire sa biographie pour la journée mondiale des maladies mentales, le 10 octobre.

 

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Illustration : Manon Bauzil @bauz92

 

Aloïse Corbaz est née en Suisse, à Lausanne, le 28 juin 1886. Elle est la septième d’une fratrie de huit enfants. Son père est employé des postes, et sa mère, d’origine paysanne, décède alors qu’Aloïse entre tout juste dans l’adolescence. Sa soeur aînée Marguerite endosse alors le rôle maternel avec autorité. Toute jeune, Aloïse a pour ambition de devenir cantatrice, et elle suit des cours de chant qui révèlent une belle voix. Elle s’inscrit à l’école professionnelle de couture de Lausanne, et obtient son baccalauréat à l’âge de 18 ans.

Elle entretient alors une relation passionnée avec le frère de son voisin, un prêtre défroqué étudiant de la faculté de Théologie libre de Lausanne. Cette relation est jugée scandaleuse, et Marguerite la pousse à rompre. L’étudiant est expulsé de la faculté, leur correspondance est détruite.

Aloïse est envoyée par sa soeur en Allemagne, où elle exerce l’activité de préceptrice. Elle passe par Leipzig, Berlin, puis enfin Potsdam. C’est dans cette ville qu’elle fait la rencontre du chapelain de l’empereur Guillaume II, qui l’engage comme gouvernante de ses filles. Elle travaille au château de Sans-Souci et fréquente la cour, dont les fastueuses activités l’impressionnent.

En 1913, lors d’une défilé, elle aperçoit Guillaume II. Elle se construit alors un fantasme autour de cet homme inatteignable et en devient follement amoureuse, et chante parfois pour lui dans sa chapelle privée le dimanche.

Son état de santé commence à se détériorer. Peu avant la déclaration de la Première Guerre Mondiale, elle retourne en Suisse. Elle développe alors de forts sentiments pacifistes, anti-militaristes, et s’éprend du pasteur Gabriel Chamorel, un fervent défenseur de la paix. Son comportement est jugé de plus en plus délirant, et en 1918, sa famille décide de la faire interner à l’hôpital de Cery.

Aloïse commence alors à écrire et dessiner sur les supports de petit format en papier qu’elle trouve ici et là. Elle supporte mal l’enfermement, comme en témoigne une lettre envoyée à son père. Diagnostiquée schizophrène, elle a des accès de violence qui alternent avec une agitation érotique et un besoin d’isolement. Elle ne parle plus, s’enfermant dans un mutisme qui durera dix ans. Au bout d’un an d’internement, elle ne montre aucun signe d’amélioration.

 

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fait entre 1917 et 1924 // Inscriptions
En haut à gauche: «Le sacre de / Marie-Louise et Napoléon / par Pie VII»; en haut à droite: «lulu / Materdolorosa». Au verso, le long du bord latéral gauche: «Libération de l’humanité par / Lulu libre de sortir / […]»; sur le reste de la surface, de haut en bas: «Un astre s’est-il levé en elle / en joyaux de la tiare universelle / un seigneur resplendissant / de lumière qui a étendu / le ciel comme un / tapis de palais de la Paix / à la Haie comme le nom l’indique».

En 1920, elle est transférée à un nouvel établissement : l’asile de la Rosière, à Gimel.

Sa pratique du dessin, d’abord faite en cachette à l’aide de matériaux et de supports improvisés, l’aide à aller mieux. Ses sujets de prédilection sont le couple amoureux, l’opéra et ses souvenirs de la cour impériale allemande.

 

 

Le psychiatre Hans Steck repère ses oeuvres et l’encourage, lui fournissant du matériel. Il demande à ce que ses dessins soient gardés avec soin, ce qui était rare à l’époque (les dessins de « fous » étant la plupart du temps jetés).

À partir des années 1930, l’état psychologique d’Aloïse se stabilise. Elle a trouvé une routine qui lui convient : le matin, elle repasse le linge des patients, une activité ritualisée qu’elle affectionne, et l’après-midi, elle s’adonne à la peinture et au dessin. Petit à petit, elle reprend la parole, s’exprimant de manière cryptique.

 

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Tsarine – entre 1924 et 1941

 

Aloïse aime utiliser ses matériaux jusqu’au bout et improviser des supports insolites. Elle crée sur des supports de matière et de dimensions variées, comme des papiers d’emballage ou des journaux qu’elle coud parfois entre pour obtenir un plus grand format. Souvent, elle remplit entièrement la feuille, recto verso. Elle utilise parfois des fleurs du jardin de l’hôpital pour obtenir un jus coloré, et utilise ses crayons jusqu’à la fin, allant jusqu’à piler les mines pour en faire une pâte à l’aide de sa salive, dessinant avec ses doigts.

 

 

En 1941, une étudiante en médecine de 25 ans, Jacqueline Forel, découvre l’oeuvre d’Aloïse en prenant des cours avec le professeur Steck, qui montre souvent des oeuvres de patient-es à ses élèves. Elle décide de la rencontrer. Au début, il est difficile d’établir un contact, mais petit à petit, les deux femmes deviennent amies. Aloïse la surnomme « l’ange Forel ». Jacqueline fait une thèse de médecine sur son oeuvre « Aloïse ou la peinture magique d’une schizophrène ». Son rapport privilégié avec l’artiste lui permet d’obtenir des clefs d’interprétation de ses peintures que personne n’avait obtenues. Elle peint ce qu’elle appelle « le monde naturel ancien d’autrefois », c’est-à-dire le monde qu’elle a connu avant son hospitalisation. Ce monde est virevoltant, coloré, romancé. Comme nous en informe le dossier de presse de l’exposition « Aloïse Corbaz, en constellation », qui a eu lieu au Musée d’Art Moderne de Lille Métropole en 2015, « Aloïse donne aux couleurs une forte charge symbolique. Le rouge qui domine dans les compositions représente l’amour et la puissance. Les personnages symbolisant le pouvoir sont vêtus de rouge et les couples entourés de fleurs écarlates. À l’opposé, les bruns, violets ou verts foncés sont des couleurs sans vie. Le jaune est signe de perfection et le vert caractérise la vie spirituelle. Les personnages aux yeux verts représentent des personnages mythiques, tandis que ceux qui ont les yeux bleus symbolisent le monde du théâtre. »

 

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Couchés dans la toge à Napoléon, 5e période : 1960-1963

 

En 1946, Jacqueline apprend que Jean Dubuffet, célèbre artiste français, s’intéresse de près à l’art des malades mentaux. Elle décide alors de le rencontrer pour lui montrer des dessins d’Aloïse. Jean Dubuffet est immédiatement séduit par son oeuvre. Il en ajoute à sa collection, et rend plusieurs fois visite à Aloïse, avec qui il noue une amitié. Elle commence alors à obtenir une certaine reconnaissance dans les milieux artistiques. En 1948, Jean Dubuffet présente son travail au Foyer de l’Art Brut. André Breton achète certaines oeuvres.

 

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Sans Titre, 1948

 

En 1951, elle peint son oeuvre maîtresse, Le Cloisonné de Théâtre, et la remet à Jacqueline. Cette oeuvre de 10 mètres de long décrit une histoire proche de la vie de l’artiste, divisée en plusieurs actes comme une pièce de théâtre. On y découvre sa vie amoureuse et sentimentale. L’oeuvre est truffée de références à des personnalités qu’elle admire, comme Napoléon ou l’impératrice Sissi. On y trouve également des clins d’oeil à Van Gogh ou Beethoven.

 

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Le Cloisonné de Théâtre (source de l’image)

 

 

À la fin des années 50 et au début des années 60, ses oeuvres sont montrées dans plusieurs expositions, notamment à Paris. Elle est invitée par le Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne à participer à l’exposition « Femmes suisses peintres et sculpteurs » en 1963.

 

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Abbé Bovet, entre 1960 et 1963

 

Mais cette notoriété se révèle être un doux poison pour Aloïse. Repérée par les pouvoirs publics, elle est placée sous le contrôle d’une ergothérapeute pour améliorer son oeuvre et la rendre plus lucrative. Dépossédée de son cocon créatif, elle ne dessins plus qu’au stylo-feutre. Jacqueline remarque que ses dessins ont perdu leur vivacité.

Peu de temps après, le 5 avril 1964, Aloïse Corbaz s’éteint.

 

Sources :

http://www.musee-lam.fr/wp-content/uploads/2015/02/LaM-Aloise-Corbaz-en-constellation-Dossier-de-Presse.pdf

http://www.musee-lam.fr/wp-content/uploads/2010/12/Aloise-Corbaz.pdf

https://fr.wikipedia.org/wiki/Alo%C3%AFse_Corbaz

 

L’artiste du mois | Camille Soualem

Ce qui frappe dans la peinture de Camille Soualem, c’est son honnêteté. Les images présentent des femmes qui vivent, souvent nues, des instants épicuriens simples et francs, sans fioritures ou faux-semblants. On a voulu l’interviewer pour en savoir plus sur son parcours.

 

source

 

Quand as-tu commencé à créer ?

J’ai commencé assez tard, à 18 ans. Ça s’est fait par des rencontres, je me souviens notamment d’une fille qui dessinait tout le temps dans un carnet et ça m’avait donné envie, j’avais beaucoup échangé avec elle et elle m’avait poussée à dessiner donc c’est comme ça que j’ai commencé le dessin. C’est ensuite grâce à la prépa que j’ai ensuite commencé à me mettre à la peinture.

 

 

Quels ont été tes premiers coups de coeur artistique, notamment dans l’enfance ?

Je me souviens d’avoir appris à l’école la vie de Van Gogh par exemple, et j’aimais beaucoup ça, les ateliers de dessin… mais après c’est resté un peu anecdotique pour moi, quand tu grandis t’arrêtes un peu de dessiner. Plus tard, j’ai eu beaucoup envie de me mettre à la peinture, par rapport à Basquiat et à son histoire personnelle.

 

Basquiat, c’était quelqu’un que tu admirais durant ton adolescence ?

Exactement. Je trouvais ça super intéressant – et ça concerne tous les artistes du « Bad Painting » – cette vision qui s’oppose à un art institutionnel assez propre, comment on peut arriver à contrer ça par l’esthétique.

 

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Qu’est-ce qu’il te plaît particulièrement dans la peinture ? Est-ce que tu as déjà essayé d’autres pratiques artistiques ?

J’ai commencé à peindre avec de la peinture à l’huile, sans apprendre aucune technique ; donc je cherchais, je trouvais moi-même des façons d’avoir des effets… par exemple dans mes premières peintures dans le temps, je les ai faites sur du papier avec beaucoup d’huile, beaucoup de térébenthine, y a des trucs qui sont toujours pas secs (rires). Le papier est complètement niqué… Ce médium m’a plu parce qu’il est gras, parce qu’il y a un truc quand même un peu sensuel, y a une force, une confrontation avec le médium qui se rencontre différemment dans d’autres peintures comme l’aquarelle qui est beaucoup plus fluide. Là il y a comme une résistance, tu peux mettre beaucoup de matière, tu peux en enlever, tu peux recommencer… tu peux vraiment avoir un long processus pour construire ta peinture et ton dessin. Ça c’est ce qui m’intéressait. À part ça, dans ma pratique d’atelier, y a toujours des moments où je bricole, où je ramasse des miroirs et je peins dessus, où je récupère des petits objets et je fais des petites poupées… ça m’aide à réfléchir, mais c’est une partie que je garde comme on garde un carnet de croquis. J’ai testé d’autres médiums comme la forge et le plâtre, mais je n’y ai pas trouvé autant de plaisir que dans la peinture à l’huile.

 

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Est-ce que tu fais un lien entre ta pratique artistique et tes convictions politiques ?

Mes peintures sont inspirées de ma vie. Forcément, quand tu as des convictions politiques, y a des choses que tu fais ou que tu fais pas. Par exemple, des choses toutes simples comme aujourd’hui, deux femmes qui se retrouvent autour d’un café pour parler d’art, en soi ça représente quelque chose d’hyper symbolique pour moi, donc je vais peut-être le peindre. Après, ça se fait assez naturellement, dans les sujets que je choisis, je ne me dis pas « ah tiens, je vais faire une peinture féministe », ou « ah tiens, je
vais peindre une minorité juste pour peindre une minorité », ou comme si j’écrivais un discours politique. C’est naturellement ce qui transpire dans ma peinture.

 

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Quel est ton rapport aux réseaux sociaux ? Par exemple, est-ce que tu aimes les utiliser pour montrer ton art ? Penses-tu qu’ils modifient ta manière de créer – que ce soit par les influences des personnes que tu suis, ou par des retours sur ton travail ?

Quand je me suis inscrite sur instagram, le premier truc que j’ai trop aimé, c’est que j’ai découvert plein d’artistes que je n’aurais jamais découvert-e-s dans des musées ou aux expos que je pourrais voir en France. Des artistes hyper varié-e-s, des illustrateurs/ices, des peintres, des tatoueur/euses… Aussi, c’est un outil qui m’a permis de rencontrer des gens, de montrer un peu mes peintures – même si je m’interroge un peu sur la manière de gérer ça, est-ce qu’il faut que je mette toutes mes peintures, comment utiliser cette plateforme… Mais en tout cas c’est super bien pour communiquer avec des gens, on se rend compte qu’on a des intérêts qui se regroupent, on échange sur des sujets avec des gens qu’on aurait jamais rencontré-es autrement, on suit les actualités des artistes qu’on aime pour voir si on a des expos vers chez toi…

 

Est-ce qu’il y a des peintres / artistes qui t’inspirent ?

Je regarde beaucoup de peintures, j’aime le travail de kery James Marshall et Nicole eiseman ou Jordan Kasey par exemple. Mais j’aime aussi la peinture du quatrociento et j’avais adoré l’expo Fontana au MAM aussi. Après c’est de l’ordre du sensible, de la sensation, de la sensualité.

 

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